CRITIQUE DE FILM – Demi Moore et Margaret Qualley brillent dans un body-horreur féministe visionnaire qui explore le monde extrême et hyperréaliste de l’industrie de la beauté. La réalisatrice Coralie Fargeat mélange les éléments stylistiques du grindhouse avec la précision de Kubrick dans ce film grotesque mais captivant, qui fusionne des éléments de Dr. Jekyll et Mr. Hyde avec Showgirls dans un mélange vraiment unique.

Choc et mémorable, grotesque mais étrangement divertissant : La substance est un film féministe de body-horreur qui mérite sa place dans chaque salle de cinéma. Cela ne veut pas dire qu’il possède l’élégance ou la profondeur intellectuelle d’un film de David Cronenberg, ni qu’il s’agit d’une curiosité punk postmoderne comme Titane. Coralie Fargeat, scénariste et réalisatrice du film, travaille dans un style audacieux, « qui vous saute au visage », à la fois accessible et extrêmement osé. Elle utilise de nombreux éléments visuels modernes propres aux films d’horreur, mais contrairement à la plupart des films du genre, La substance est porté par une véritable vision réfléchie. Elle veut transmettre un message instinctif, presque primitif, au public.

Double doppelgänger de jeunesse

La substance raconte l’histoire d’une actrice hollywoodienne vieillissante devenue animatrice d’aérobic, Elisabeth Sparkle, interprétée par Demi Moore. Elisabeth est renvoyée de la télévision parce qu’elle est jugée trop vieille. Désespérée, elle appelle un numéro mystérieux qu’elle a reçu anonymement, ce qui la conduit à un programme de modification corporelle de science-fiction appelé La substance. Elle reçoit des équipements médicaux (des seringues, des tubes, un liquide vert phosphorescent, et une substance comestible blanche et gélatineuse injectable) et on lui explique le protocole d’utilisation de son nouveau corps — qui est aussi son ancien. « Vous êtes une seule et même personne », disent les instructions. Mais que cela signifie-t-il vraiment ?

Cela signifie qu’après s’être injecté les substances, Elisabeth s’évanouit sur le sol de sa salle de bain, sa peau se fend le long de sa colonne vertébrale et, à l’instar des créatures d’L’invasion des profanateurs de sépultures, son nouveau « moi » émerge : une version « parfaite » de la féminité sexy, pleine de vie et de jeunesse, interprétée par Margaret Qualley. L’accord est simple : le nouveau moi, nommé Sue, peut vivre dans le monde pendant une semaine. Durant ce temps, elle devient une star et obtient sa propre émission, Pump It Up with Sue. Une star est née. Mais après cette semaine, Sue doit entrer en hibernation tandis qu’Elisabeth, avec son vieux corps, revient. Les deux alternent leurs vies, se nourrissant mutuellement, permettant à Elisabeth de « devenir » Sue une semaine sur deux. C’est comme si Dr. Jekyll et Mr. Hyde avait été réécrit en cauchemar d’une industrie cosmétique de plusieurs milliards de dollars.

Kubrick rencontre le grindhouse

Fargeat, qui a réalisé le film Revenge en 2017, travaille dans un style à grand angle, caractéristique des films d’exploitation, que l’on pourrait décrire comme un Kubrick version grindhouse. C’est comme si l’esthétique d’Orange mécanique fusionnait avec la dynamique rapide d’une publicité télévisée moderne. Fargeat est friande de gros plans extrêmes (de parties du corps, de voitures, de repas, de baisers), accompagnés de bruitages intenses. À l’instar de Brian De Palma, elle s’approprie les influences cinématographiques (De Palma en étant lui-même une). Nous avons tous vu d’innombrables réinterprétations de Dr. Jekyll et Mr. Hyde, mais Fargeat va encore plus loin, y mêlant des éléments de Showgirls, et cela ne lui suffit toujours pas.

Un de ses grands points d’inspiration est la scène iconique de Shining où Jack Torrance enlace une jeune femme dans une baignoire, pour la voir se transformer en une affreuse vieille sorcière. En outre, l’imagerie de Fargeat évoque la créature monstrueuse de The Thing de John Carpenter, le bal sanglant de Carrie de Stephen King, ainsi que les cauchemars hallucinogènes dus à l’addiction dans Requiem for a Dream.

Ce qui rend le travail de Fargeat vraiment unique, c’est la manière dont elle fusionne sa voix agressive et stylisée (avec des dialogues qui claquent comme dans une bande dessinée) avec sa rage féministe face au contrôle des femmes par le monde des apparences. Au début, il faut peut-être s’habituer à ce style exagéré. Dennis Quaid incarne un directeur de télévision suffisant et pompeux qui décide de renvoyer Elisabeth. Lors de leur déjeuner, tandis qu’il est assis dans un costume flamboyant, il se gave de crevettes de manière répugnante, à seulement quelques centimètres de la caméra. La scène est si répulsive que nous reculons de la même manière qu’Elisabeth. Pourtant, Fargeat dirige brillamment ses acteurs ; elle sait que le charisme de Quaid, même lorsqu’il incarne un personnage aussi détestable, maintiendra l’attention du public.

Liberté et contrôle

La performance de Demi Moore est audacieuse et sans peur. D’une certaine manière, elle joue une version d’elle-même : autrefois au centre de l’univers, désormais jugée trop vieille par un Hollywood sexiste. Son jeu est imprégné de colère, de peur, de désespoir et de vengeance. La substance est rempli de scènes de nudité explicites, à tel point que le film flirte avec l’esthétique du regard masculin, pour ensuite complètement renverser et dévoiler la vérité derrière le voyeurisme. Margaret Qualley incarne Sue avec une assurance implacable, sachant parfaitement comment se “vendre” en tant qu’objet, ce qui fait partie intégrante du message satirique du film. Elle suit les règles et « donne aux gens ce qu’ils veulent ». Il est évident que Qualley est sur le point de devenir une grande star, et ce film montre pourquoi. Elle donne vie à ce rôle stylisé avec une touche de mystère. En fin de compte, La substance est une lutte entre deux egos : le vrai moi d’Elisabeth et son moi rajeuni, se battant pour la domination.

Théoriquement, elles devraient être partenaires – en fait, elles sont techniquement la même personne – mais lorsque Sue, enivrée par son existence, dépasse sa semaine et siphonne encore plus d’énergie vitale à Elisabeth, c’est Elisabeth qui en paye le prix, alors que son corps commence à vieillir rapidement. Les métaphores du film sont profondément organiques. Dans notre monde, nous pouvons atteindre un « nouveau » moi grâce à des transformations physiques, mais le film suggère qu’en faisant cela, nous devenons un parasite qui épuise notre ancien, peut-être véritable, moi. Et il n’y a qu’une quantité limitée de « vous » à exploiter.

Transformation kafkaïenne

La substance s’appuie réellement sur Showgirls et sur l’histoire des mélodrames de rivalités hollywoodiennes. Les ambitions du film sont presque délirantes (avec ses 140 minutes, il pourrait facilement perdre 20 minutes). Mais lorsqu’il arrive à son chapitre final, l’horreur corporelle jusque-là retenue explose en quelque chose de cathartique et d’extrême. À ce stade, Sue a déjà aspiré presque toute l’énergie vitale d’Elisabeth, laissant son corps tellement décomposé qu’il ferait passer la sorcière de la baignoire de Shining pour Grace Kelly. Mais Fargeat ne fait que commencer. La séquence culminante se déroule lors de l’enregistrement du spécial du Nouvel An de la chaîne, que Sue doit animer, et ce qui s’y passe doit être vu pour être cru. Même si vous regardez des films d’horreur toute l’année, celui-ci se distingue comme l’un des rares à présenter un véritable monstre – non seulement dans la forme de chair déformée, mais aussi dans la déformation de l’esprit. Le message du film est clair : c’est ce que nous réprimons. C’est ce que nous faisons à nous-mêmes.

– Gergely Herpai « BadSector » –