APERÇU DU FILM – Lorsqu’une famille américaine est invitée à passer le week-end dans la ferme idyllique d’une charmante famille britannique qu’ils ont rencontrée en vacances, ce qui commence comme des vacances de rêve se transforme rapidement en un cauchemar psychologique. Produit par Blumhouse, le producteur de Black Phone, Get Out et L’Homme invisible, ce thriller intense de notre époque moderne met en vedette le lauréat du BAFTA JAMES MCAVOY (Split, Glass) dans une performance captivante en tant qu’hôte charismatique et alpha dont l’hospitalité sans entraves masque une obscurité indicible.

Depuis presque deux décennies, Blumhouse captive les spectateurs – et les effraie – avec des visions innovantes de l’activité paranormale et de toutes sortes de mal sous le soleil (et plusieurs pleines lunes aussi). Mais Blumhouse a également repoussé les limites du genre de l’horreur avec des films qui ont transformé les tensions et les rituels de la vie quotidienne en divertissements provocateurs, d’actualité et délicieusement espiègles, de Get Out, la fable ingénieusement effrayante de Jordan Peele sur le racisme en Amérique, à la satire sociale endiablée de la franchise American Nightmare. Maintenant, du scénariste-réalisateur James Watkins vient une interprétation tordue d’une comédie de mœurs britannique, dans laquelle le voyage d’une famille à la campagne pour rendre visite à de nouveaux amis tourne horriblement mal, passant d’une épreuve sociale embarrassante qui défie leurs notions de politesse à un cauchemar choquant où ils doivent abandonner toute civilité et lutter pour leur survie.

Une comédie d’horreur britannique typiquement Grand Guignol

Ne dis rien est basé sur le scénario du thriller danois de 2022, Gæsterne (“Les Invités” en danois). « Il y a quelques années, j’ai reçu un appel d’un cadre de Universal qui venait de voir un film à Sundance qui l’avait profondément marqué », raconte le producteur Jason Blum. « Je suis toujours ravi d’être celui qu’on appelle quand quelqu’un voit quelque chose de troublant – si cela ruine votre journée, appelez-moi ! – alors j’ai arrangé une projection et j’ai été époustouflé. À mesure que le film se déroulait, je reculais à chaque nouvelle révélation, et quand c’était fini, je ne pouvais pas m’en débarrasser. Je croyais qu’entre de bonnes mains, une réinterprétation en anglais pourrait être un film très mémorable, très perturbant et très spécial. »

Il fallait cependant juste le bon réalisateur. Blum était un grand fan des films de Watkins, Eden Lake et La Dame en noir et pensait que Watkins pourrait être le choix idéal. Il avait raison. Lorsque Watkins a vu le film danois, il s’est immédiatement connecté au matériel et a vu un riche potentiel dans une adaptation. « J’ai adoré le concept sournois et relatable : des gens en vacances remettant en question la direction de leur vie et se liant d’amitié avec un couple qu’ils pensent être la réponse à leurs questions », dit Watkins. « Le film m’a vraiment accroché sur un plan thématique : son exploration de la façon dont la société moderne nous enchaîne avec des règles et comment nous luttons pour les négocier. »

C’était exactement le genre de film qui stimule l’intellect et l’imagination de Watkins. « J’ai commencé ma carrière avec un thriller-horreur intitulé Eden Lake », dit Watkins. « Vous pourriez l’appeler une ‘horreur sociale’, explorant le conflit intergénérationnel, les peurs de classe et les cycles de violence dans la société. Je voulais revenir à cette intersection de genre et d’idées, et cette histoire offrait une chance de s’amuser intelligemment. »

Le scénario de Watkins a résonné avec les producteurs du film, non seulement sur un plan cinématographique. « James a un grand sens de l’histoire et de la narration », déclare le producteur Paul Ritchie, qui a travaillé pour la première fois avec Watkins il y a près de 20 ans sur Eden Lake. « Il connaît les personnages sur le bout des doigts et son sens impeccable du timing et sa conscience de l’expérience du public le rendent parfaitement adapté pour un film de ce genre. »

Le scénario de Watkins a exploité l’universalité et la quotidienneté relatable du prémisse de l’histoire. « James était le choix parfait pour écrire et réaliser Ne dis rien parce qu’il excelle dans l’horreur ancrée dans la réalité, l’horreur qui peut arriver à n’importe qui », dit la productrice exécutive Beatriz Sequeira, qui a supervisé la production de Ne dis rien au nom de Blumhouse. « Nous étions tous de grands fans d’Eden Lake et tellement impressionnés par sa capacité à créer des relations entre les personnages et à rendre même les scènes domestiques les plus innocentes aussi tendues que possible. La première fois que j’ai lu le scénario de James, je me suis souvenu de ces amis que j’avais rencontrés en vacances aux Fidji et qui étaient originaires de Nouvelle-Zélande, où ils vivaient dans une ferme bovine. Je pensais qu’il serait amusant de leur rendre visite là-bas et de mieux les connaître. Mais la première pensée que j’ai eue après avoir lu le scénario était : ‘Cela n’arrivera plus jamais.’ Voilà à quel point cela m’a effrayée. »

Un couple en crise

Le scénario de Watkins se concentre sur Ben et Louise Dalton, des Américains vivant en Angleterre, chacun luttant avec des crises d’identité, tous deux s’éloignant l’un de l’autre. Matériellement confortables mais misérables, ils persistent dans leur mariage difficile pour élever leur fille, Agnes, une préadolescente anxieuse qui ne va nulle part sans le quatrième membre officieux de la famille, Hoppy, son lapin en peluche de réconfort.

La vie languissante des Dalton prend un tournant lorsqu’ils rencontrent Paddy, une force de la nature charismatique et terre-à-terre, sa dévouée épouse, Ciara, et leur fils, Ant, pendant leurs vacances en Toscane. Ben et Louise sont charmés par la personnalité extravertie de Paddy et la chaleur de Ciara. Alors que la camaraderie fleurit entre les familles, les Dalton (et surtout Ben) commencent à voir leurs nouveaux amis libres d’esprit comme des modèles possibles pour réparer leur mariage. Ainsi, quelques semaines plus tard, lorsque Paddy et Ciara invitent les Dalton à un week-end prolongé dans leur ferme en Angleterre rurale, Ben convainc Louise d’accepter. Dans l’esprit de Ben, « cela pourrait être bon pour nous », lui dit-il. Cela pourrait être une bouffée d’air frais littérale, avec une vie campagnarde robuste – chasse, randonnée, travail de la terre – leur offrant une chance de redémarrer et de se remettre sur pied. Et cela offre à Ben une chance d’être une personne différente et de se livrer à une sorte de fantasme hyper-masculin et super-libertaire. Mais une fois arrivés à la ferme isolée de Paddy et Ciara, loin de tout ce qu’ils connaissent, Ben, Louise et Agnes découvrent que Paddy, Ciara et Ant en vacances ne sont pas exactement ceux qu’ils sont à la maison, et que l’intérêt de Paddy pour Ben, Louise et Agnes n’a jamais été amical.

« Les Dalton, en particulier Ben, ont été écrasés par la vie, ou du moins, leurs vies ne correspondent pas aux vies parfaites qu’on leur dit chaque jour qu’ils devraient vivre à travers les flux sur leurs appareils », dit Watkins. « L'”affluenza” était le terme – des personnes ayant beaucoup de choses matérielles mais toujours émotionnellement en difficulté. Ben est particulièrement troublé. Il sent qu’il est passé de son apogée, sur le tas de ferraille. Il ne sait pas comment négocier le monde moderne et ses nouveaux codes. Paddy ouvre une porte pour Ben qui le fait se demander : y a-t-il une meilleure façon de vivre ? Mais lorsqu’ils visitent la ferme pour que Ben puisse vivre ces fantasmes d’authenticité rurale, les choses ne sont pas tout à fait comme ils l’imaginaient. Le film devient une sorte de conte de moralité “vérifiez votre privilège” : Faites attention à ce que vous souhaitez quand vous êtes complaisant à propos de votre sécurité et de vos conforts, quand vous vous sentez piégés par les ‘normes sociales’ et que vous voulez vous détendre et trouver votre moi animal. Vous pouvez penser que vous voulez du danger. Mais quand le vrai danger arrive, savez-vous même comment y faire face ? »

Ben incarne bon nombre des conflits du film concernant l’identité, mais le centre captivant de l’histoire est le personnage qui se présente initialement comme la solution à ces conflits. Dans le personnage de Paddy, Watkins a vu une opportunité de commenter la montée de la masculinité toxique et des démagogues cultes de la personnalité. *« Je voulais explorer une crise moderne de l’identité, ce sentiment de dépossession qui laisse les gens – principalement les hommes – ouverts à de mauvais mentors comme Paddy, qui rejettent toutes les règles, promettent de “reprendre le contrôle”, rejettent le conventionnel et le poli au profit d’une notion d’‘authenticité’. Je voulais que le public tombe légèrement sous le charme de Paddy de la même manière que Ben et Louise et montrer combien il est facile pour un homme ‘normal’ comme Ben – qui a des fragilités mais n’est en aucun cas un extrémiste ou un excentrique – d’adhérer à ce rêve et donc de devenir complice de la tempête de merde que cela crée. Comme dit Paddy, lorsque Ben et Louise lui demandent pourquoi il leur fait ce qu’il leur fait : Parce que vous nous avez laissés faire. »

Ils ont évité les clichés de l’horreur

Alors que Ne dis rien s’appuie sur de nombreux thèmes de Gæsterne, il s’écarte de son inspiration de manière significative, à commencer par les identités culturelles de ses personnages principaux. Au lieu d’être danois, les protagonistes sont américains, et au lieu d’être néerlandais, les méchants sont anglais. « Je ne voulais pas faire une prise d’horreur américaine banale », dit Watkins. « Vous connaissez le genre : des New-Yorkais dépaysés rendent visite à leurs nouveaux amis ‘bruts’ en Virginie-Occidentale… Je sentais qu’il y avait un angle très britannique dans la caractérisation et l’humour où je pouvais apporter plus de spécificité et d’honnêteté, pour exploiter des choses plus proches de chez moi et donner plus de mordant à la satire. »

Créer une collision entre ce couple américain de la grande ville avec des valeurs modernes et un couple britannique de la campagne avec des valeurs plus traditionnelles a permis à Watkins de renforcer la tension et de faire en sorte que les Dalton (et par extension, le public) questionnent leurs perceptions du comportement de Paddy et Ciara. « Le choc des cultures ajoute à la confusion dans l’intérêt du film pour les manières, les normes concurrentes ou changeantes, et la façon dont nous lisons les signaux sociaux », dit Watkins. « Pour Ben et Louise, Paddy et Ciara sont-ils bizarres ou sont-ils juste des excentriques anglais ? Leur maison est-elle chic et délabrée ou simplement délabrée ? Il y a une ironie supplémentaire dans le fait que le film inverse les stéréotypes des Britanniques et des Américains. Souvent, les Britanniques sont présentés comme réprimés et les Américains comme plus directs et francs. Cela a toujours été un cliché simpliste ; il y a toujours eu un type particulier de Britannique comme Paddy qui est franc – et un type particulier d’Américain qui est assez réprimé – et une veine d’humour britannique qui aime dire l’indicible, des choses que les Américains ne diraient jamais. Quoi qu’il en soit, je sentais que toutes ces confusions transnationales seraient un ingrédient riche dans le ragoût d’anxiété sociale que je voulais cuisiner. »

L’autre changement critique que Watkins a apporté était un nouveau troisième acte qui résout le conflit entre Paddy et la famille Dalton de manière profondément différente. « J’aimais la claque nihiliste du troisième acte du film de Christian, mais je voyais une opportunité d’explorer davantage les choix et l’agence des personnages principaux », dit Watkins. « Lorsque le vernis de la politesse se brise, que font-ils ? Les règles de la société peuvent-elles être montrées comme une force ainsi qu’une faiblesse : pourrions-nous passer de la politesse-comme-un-piège à la politesse-comme-un-moyen-de-s’échapper ? Et quand le conflit explose au grand jour, que se passe-t-il alors ? Dans la vie réelle, très peu d’entre nous sont équipés pour gérer le conflit, l’agression ouverte. Alors comment les gens normaux confrontent-ils cette situation anormale ? À quel moment nos besoins primaires dépassent-ils les chaînes de la société ? À quel moment Ben et Louise surmontent-ils leur réticence et ripostent-ils ou fuient-ils ? Ben et Louise peuvent-ils finalement rejeter la vision du monde de Paddy ? »

Explorer ces questions a aidé à donner aux Dalton des options d’action sans subvertir le réalisme naturel du film et sa critique sociopolitique. « Je voulais donner à mes personnages plus d’agence, mais je ne voulais pas qu’ils deviennent soudainement des héros d’action », dit Watkins. « Je déteste quand les “gens normaux” commencent soudainement à agir comme des ninjas des Navy Seals dans le troisième acte. Je veux que les choses restent désordonnées et chaotiques et pleines de peur. Je voulais très délibérément défier les stéréotypes de genre paresseux : que Louise soit plus proactive dans l’acte final, même plus ‘alpha’ que Ben. Et je voulais que les notions de caractère qui avaient été mises en place soient testées sous pression. Je voulais que Ben ait à affronter la fausse dichotomie de la masculinité – force brute de l’homme des cavernes contre faiblesse “libérale” moderne – que Paddy lui impose, et je voulais m’appuyer encore plus sur les thèmes de la masculinité toxique et comment la violence engendre la violence à travers les générations. »

Alors que Watkins peaufinait sa vision et entrait en production, il trouvait une inspiration supplémentaire dans les films des réalisateurs acclamés Michael Haneke et Ruben Östlund, ainsi que dans Le Lauréat de Mike Nichols, Les Chiens de paille de Sam Peckinpah, Délivrance de John Boorman et la série primée aux Emmy The White Lotus de Mike White. « Dans ma tête, Ne dis rien a toujours été un thriller psychologique avec un cœur horrifique », dit Watkins. « Cette subtile distinction est importante en termes de mon approche. La tension fleurit, espérons-le, de l’exploration psychologique de chaque personnage et de la manière dont ils interagissent dans un cadre social moderne. Tous les films qui ont informé cette approche dévoilent les couches de la vie ‘civilisée’ pour se délecter des luttes de pouvoir de l’interaction sociale et explorer la rage à peine dissimulée que les gens souriants et polis ressentent les uns envers les autres. White Lotus l’a récemment fait de manière brillante, et j’adore la ‘dramédie’ du travail de Mike White, comment ses scènes oscillent entre comédie et drame de manière à exploiter les horreurs de chaque interaction sociale entre les personnages. »

Avec le scénario terminé, la production de Ne dis rien a rapidement pris de l’ampleur en 2023, alors que la grève de la SAG-AFTRA se profilait à l’horizon. « Ce fut un début assez rapide, du moment où j’ai lu le scénario jusqu’au passage en production », dit le producteur Paul Ritchie. « James est un collaborateur fantastique et un bon auditeur ; tout le monde se sent partie prenante du processus. Au fil des ans, nous avons accumulé une grande quantité de confiance, ce qui est une ressource précieuse. Nous avons eu la chance de travailler sur des projets où la chimie des équipes que nous avons constituées a renforcé le spectacle et créé une plateforme réussie pour nous permettre de croître. Nos premières discussions ont porté sur la façon dont nous pourrions insuffler notre style de réalisation dans le film, avec le casting et les lieux étant cruciaux pour cette vision. »

Le film Ne Dis Rien sera au cinéma à partir du 12 septembre.

-theGeek-