CRITIQUE DE FILM – Dans les banlieues aisées américaines des années 1960, où les voitures rutilantes, les pelouses bien entretenues et les clôtures blanches dominent, les voisines Alice (Jessica Chastain) et Céline (Anne Hathaway) partagent une amitié étroite qui tranche avec la banalité de la vie quotidienne. Cependant, lorsqu’une tragédie survient, leur lien commence à se fissurer et à se déformer. Culpabilité, chagrin et paranoïa se mêlent dans ce remake en anglais du film bruxellois de 2018, qui s’appuie lourdement sur le mélodrame pour un effet divertissant mais largement oubliable.

Le réalisateur original, Olivier Masset-Depasse, devait également diriger cette version, mais lorsqu’il a dû quitter le projet, le directeur de la photographie du remake, Benoît Delhomme, a pris la relève, faisant ainsi ses débuts en tant que réalisateur. Cette version reste très proche de l’original, basé sur le roman de Barbara Abel, présenté à Toronto avant de remporter neuf prix Magritte en Belgique et d’être diffusé dans plusieurs territoires francophones et européens. Avec Chastain et Hathaway en tête d’affiche, ce remake en anglais a le potentiel d’atteindre un public plus large et vient de sortir récemment en Hongrie.

Images de chagrin et de culpabilité

L’expérience de Delhomme en tant que directeur de la photographie (sur des films comme Lawless, The Theory of Everything et Salome) est évidente dans chaque cadre soigneusement composé. La séquence d’ouverture établit immédiatement un ton déséquilibré : Céline (Hathaway) cueille paisiblement des fleurs dans son jardin ensoleillé, tandis que sa voisine Alice (Chastain) l’observe depuis les ombres de sa maison. (Le film a été tourné dans le New Jersey, bien que l’emplacement exact ne soit pas précisé.) La musique inquiétante d’Anne Nikitin crée une ambiance sinistre lorsque Alice entre dans la maison de Céline, mais le film renverse rapidement les attentes avec une fête d’anniversaire surprise, mettant en lumière le lien fort et ancien entre les deux femmes et annonçant plusieurs points de l’intrigue à venir.

Alice et Céline sont très différentes : Alice est frustrée par son rôle de femme au foyer et désespérée de reprendre son travail de journaliste, tandis que Céline est satisfaite de son rôle traditionnel – mais toutes deux adorent leurs fils de huit ans. Notamment, Alice ne veut pas d’autres enfants, tandis que Céline ne peut plus en avoir. Lorsque le fils de Céline, Max (Baylen D. Bielitz), subit un accident tragique, tout change. Dans les semaines qui suivent, Céline repousse Alice, semblant la blâmer d’avoir été témoin de l’accident sans pouvoir l’empêcher, et trouve du réconfort en passant du temps avec le fils d’Alice, Théo (Eamon O’Connell).

Au début, le comportement légèrement étrange de Céline pourrait être attribué à son chagrin, qui plonge son mari Damien (Josh Charles) dans une dépression paralysante. Le scénario de Sarah Conradt-Kroehler est ici à son meilleur, capturant le choc initial de Céline, son engourdissement ultérieur et ses tentatives désespérées de revenir à une certaine normalité. Elle apparaît à l’école de Théo et organise des dîners gênants, son identité entière ayant été liée à son fils. Il y a une véritable empathie dans ses tentatives de masquer le vide béant de sa vie.

Lorsque Alice commence à suspecter les intentions de Céline, ses propres antécédents en matière de santé mentale l’empêchent de convaincre son mari, Simon (Anders Danielsen Lie), de la croire. À partir de ce moment, le film intensifie l’hystérie, les deux femmes étant poussées à la folie par la douleur, la culpabilité et la paranoïa – des émotions qu’elles ne peuvent pas exprimer correctement dans cet environnement hermétiquement clos – tandis que leurs maris s’effacent inutilement en arrière-plan. Bien que les performances engagées de Chastain et Hathaway tentent d’ajouter du sérieux, certaines scènes frôlent l’absurde, surtout à mesure que le film atteint son paroxysme frénétique.

Visuels et atmosphère

Les excès kitsch du film restent divertissants et, sans surprise, il est visuellement magnifique. Comme l’original, il regorge d’éléments hitchcockiens, du style des deux femmes aux angles de caméra souvent vertigineux en passant par l’atmosphère domestique de plus en plus tendue. Le design épuré de la production de Russell Barnes capture bien l’opulence standardisée de l’époque sans tomber dans la parodie.

Le travail du costumier Mitchell Travers est particulièrement impressionnant et illustre efficacement les dynamiques changeantes entre les femmes. Alors que Céline et Alice portent d’abord des robes pastel similaires, les couleurs plus vives et plus lâches d’Alice contrastent rapidement avec les tenues principalement noires de Céline. Une scène où Céline, récemment endeuillée, porte une tenue blanche inspirée de Jackie Kennedy à la récitation scolaire de Théo, dans une tentative maladroite de repartir à zéro, est visuellement et émotionnellement frappante.

Impressions globales

Nous avons des sentiments mitigés à propos de ce film qui s’annonçait pourtant prometteur. Bien qu’il affiche de superbes visuels et de solides performances, Derrière la haine ne parvient finalement pas à laisser une empreinte durable. L’histoire tente de traiter des questions philosophiques profondes sur le deuil et la maternité, mais finit par se transformer en un mélodrame superficiel et cliché avec une fin ridicule et peu convaincante.

-Herpai Gergely (BadSector)-